Il mondo antico:

Stonehenge, sulla pianura di Salisbury in Inghilterra è il monumento restante di un popolo preistorico ora altrimenti sconosciuto. Costruiti circa nel 2000 a.C., gli anelli di pilastri e architravi in roccia massiccia testimoniano che - anche durante i primissimi stadi della civiltà - la modificazione della terra stessa, la definizione dello spazio, e il mettere ordine in uno spazio con sistemi regolari di relazioni sono i metodi con i quali le persone possono mettere ordine nella loro vita e dare un indirizzo comune alla loro società. Lo scopo reale di questo monumento era funzionale piuttosto che artistico, come la maggior parte dell'Arte Preistorica. I dipinti nella grotta di Lascaux in Francia e di Altamira in Spagna, o le immagini della fertilità come la Venere di Willendorf dell'Austria, molto più antichi di Stonehenge, hanno in comune con esso un significato e anche una necessità nei rituali e nelle credenze dei loro realizzatori. Le avanzate strutture sociali, politiche, religiose e linguistiche che costituiscono la civiltà occidentale apparirono inizialmente in Mesopotamia ed Egitto attorno all'inizio del terzo millennio A.C. L'Egitto fu uno stato relativamente stabile per la maggior parte dei 3000 anni e fu in grado di generare e di mantenere un stile artistico distintivo in tutte le tecniche. Lo stile monumentale dell'arte egiziana è più potente nella scultura della 4a dinastia, come il faraone seduto Khafre nel Museo Egiziano, Cairo. La figura sembra contenuta, come se fosse ancora confinata all'interno del blocco da cui fu scolpita. Lo stile e le sue proprietà formali hanno senso se considerate alla luce delle credenze a cui questo stile è rispondente. La scultura era, in effetti, una nuova dimora immortale per lo spirito del faraone morto, e come tale era oltre il mondo. L'architettura egizia non comprende solamente le grandi Piramidi a Giza ma anche una serie di Templi con lunghi colonnati bassi spiegati su un asse centrale come ai complessi templari di Karnak (c. 1570-1085 A.C.) e Luxor (c. 1570-1200 A.C.). I templi furono costruiti in modo che l'interno catturi l'interesse architettonico mentre si cammina da una camera all'altra, ognuna più protetta e segreta della precedente. Incorporate in questi massicci monumenti architettonici c'erano miglia di dipinti murali e di sculture in rilievo. Le molte civiltà delle vallate del Tigri e dell'Eufrate furono molto meno stabili dell'Egitto, per questo motivo la loro arte è molto più varia. Gli estesi rilievi che ornavano i palazzi reali come quello di Ashurnasirpal II a Nimrud (9° secolo A.C.) presentano una risolutezza e un'autorità di esecuzione e un uso convincente delle stilizzazioni convenzionali-particolarmente nella muscolatura degli animali e degli uomini, degli occhi di profilo, e delle linee di contorno ripetute dei cavalli-che sono caratteristiche di uno stile maturo. L'immaginario dei rilievi-Il coraggio del signore come guerriero-riflette l'interesse con cui questi stati spesso in guerra consideravano le armi e il potere. Al polo opposto rispetto a questi monumenti di propaganda pubblica c'erano piccoli oggetti ricordo di distinzione individuale-sigilli a cilindro, solitamente in pietra semi preziosa e lunghi circa 2,5 cm, intagliati per lasciare l'impronta di una divinità o di una figura mitologia quando fatti ruotare su dell'argilla morbida. Contemporanee alle civiltà della zona fertile furono le Civiltà Egee minoiche sull'isola di Creta e micenee sul continente greco. Della loro arte rimane relativamente poco, ma dai frammenti di dipinti murali e dallo stile brillante e vivace della ceramica di Kamares si può intuire l'esuberante libertà del disegno e dei motivi organici che animano l'Arte Minoica. Le rovine dei loro palazzi, come quelle di Knosso e Micene, sono una prova delle loro culture altamente sviluppate. Per molti artisti e storici del passato, l'Arte Greca costituiva una perfezione artistica. Nessun altro stile antico perdurò nella coscienza occidentale per riemergere così frequentemente o per condizionare la percezione estetica in modo così pervasivo. Dopo un'era di astrazione geometrica nell'arte della ceramica e della scultura arcaica (figure korai, o femminili, e kouroi, o maschili) che partecipò della stessa astrazione monumentale dell'Egitto e della Mesopotamia, l'epoca d'oro dell'arte greca emerse nel 5° secolo A.C. Della pittura, tutto quello che resta sono vasi dipinti, molti dei quali sono della più alta qualità. Come nelle culture precedenti, i monumenti architettonici e le sculture che li ornavano costituiscono le principali realizzazioni che sopravvivono. Il Partenone (447-432 A.C.) riunisce nel suo disegno e nei suo abbellimenti scultorei gli esempi tipici dello stile classico. Situato in alto nell'Acropoli di Atene, questo bianco tempio in marmo dedicato alla dea Atena è composto da colonne doriche che circondano la stanza interna, o cella, e che sostengono l'architrave e i frontoni orientale e occidentale, che un tempo reggevano le sculture principali. Tutti i componenti architettonici sono portati ad un equilibrio perfetto per raggiungere la fermezza maestosa e la grazia tranquilla della struttura. Le opere scultoree di Fidia e della sua scuola, ora chiamate i Marmi Elginei e che si trovano al British Museum di Londra, utilizzano immagini delle divinità per mostrare il corpo umano idealizzato in movimento o a riposo. Nella scultura che si regge in piedi da sola, lo stile arcaico stilizzato e monumentale fu rimpiazzato nel 5° secolo A.C. da uno stile che rifletteva i ritmi naturali del corpo nelle sue reazioni alla gravità. Ermes che regge il bambino Dionisio di Prassitele (4° secolo A.C., Museo di Olimpia, Grecia) è in una posizione contrapposta, vale a dire che il peso del corpo è sostenuto da una gamba così che i fianchi e le spalle sono inclinati nella direzione opposta come risultato. Le proporzioni di figure come questa formarono un canone che sarebbe rimasto in uso per centinaia di anni a seguire. L'Arte Romana aveva le stesse basi umanistiche dell'arte greca; infatti, la maggior parte delle sculture greche sono giunte fino a noi grazie a copie romane. Il ritratto scultoreo realista prodotto dai romani è importante poiché prese il posto dell'enfasi greca dell'ideale e del generale per rappresentare lo specifico e l'individuale. Nell'architettura, furono sviluppati nuovi concetti e nuove possibilità strutturali, come si può vedere nell'enorme Parthenon con cupola (AD c. 118-128) a Roma, ora utilizzato come chiesa cristiana.

Il mondo moderno:

Verso la fine del 18° secolo, ci furono delle correnti trasversali di orientamenti fondamentali diversi nei confronti delle possibilità offerte dalle generazioni precedenti. La scultura di Antonio Canova, Paolina Borghese rappresentata come Venere (1808; Gallerie Borghesi, Roma), rappresenta la compostezza tranquilla della prospettiva neoclassica. Il marmo sembra abbandonare la sua stessa natura materica di pietra e assumere quella della carne opulenta che rappresenta. Al di fuori dell'Italia, il Neoclassicismo ebbe una forza ancora maggiore, nei grandi dipinti neoclassici di Jacques Louis David come "Il giuramento degli Orazi" (1784; Louvre, Parigi), negli anni 1780 e 1790 - archeologicamente esatto nei dettagli (l'antica Pompei fu riscoperta nel 1748) ma contemporaneo nel suo implicito messaggio politico rivolto alla Francia rivoluzionaria. L'impulso romantico emerse con quegli artisti solitamente considerati personalità intense e spesso solitarie. L'impulso romantico apparve pressappoco allo stesso momento con William Blake e Henry Fusli in Inghilterra, Caspar David Friderich e Philipp Otto Runge in Germania, e Eugene Delacroix e Theodore Gericault in Francia. Perciò, il termine Romanticismo, in qualità di nome per uno stile, in realtà descrive una sensibilità condivisa nel contesto di diverse tradizioni nazionali, mentre il termine barocco racchiude molte attitudini divergenti in uno stile storico. Il "Tre di Maggio, 1808" (c. 1814; Museo del Prado, Madrid) dello spagnolo Francisco de GOYA incarna le caratteristiche chiave della prospettiva romantica l'applicazione del colore rivela il colpo di pennello personale ed energico dell'artista; le masse contrastanti di luce e oscurità offrono un effetto di illuminazione che eleva al massimo grado il dramma; l'azione delle scene è al suo picco frenetico; il soggetto-l'omicidio sistematico di civili-stimola lo nostra solidarietà e allo stesso tempo anima la nostra curiosità morbosa. Negli Stati Uniti c'erano stati artisti quali John Singleton COPLEY e Benjamin WEST, che erano stati attirati verso le capitali europee, ma all'inizio del 19° secolo un gruppo indigeno di paesaggisti, denominati la Scuola del fiume Hudson, emerse alla guida di Thomas Cole. L'opera "Le Cascate del Niagara" (1857; Corcoran Gallery, Washington, D.C.) di Frederic Edwin CHURCH, tipica della Scuola del Fiume Hudson, mostra la sublime grandezza e il sublime potere della natura in una terra selvaggia e primitiva. La profusione e la diversità di stili nel 19° secolo vengono riflesse nella sua architettura. L'austerità del neoclassicismo seguì da vicino l'indulgenza del rococò e si diffuse rapidamente dalla Francia all'Inghilterra e da lì agli Stati Uniti, rappresentata da edifici come MONTICELLO di Thomas Jefferson a Charlottesville, Va. Il risveglio dei vari stili causò una ricapitolazione di stili recenti, più antiche ed esotici, comprendendo anche la Rinascita Gotica, come si vede nelle Case del Parlamento a Londra (iniziate nel 1836) di Sir Charles Barry e Augustus Pugin, che gli guadagnarono un ampio favore per la prima volta da quando era stato eclissato dal Rinascimento. Il 19° secolo fu caratterizzato da cambiamenti stilistici radicali per un'altra ragione-la Rivoluzione Industriale e la tecnologia moderna avevano iniziato a modificare il modo in cui le strutture potevano essere costruite e di conseguenza modificarono anche il loro aspetto.  Il Palazzo di Cristallo (1851; distrutto nel 1936) di Sir Joseph Paxton utilizzò la forza duttile del ferro per liberare i muri dalla loro funzione di sostegno e così permettendo ampie zone di vetro. Nel mondo moderno, la regolarità, l'uniformità, l'ordine e un rispetto frequente per le proprietà strutturali dei materiali hanno dato vita ad edifici economici e funzionali. Questo è vero per quel che riguarda gli edifici Bauhaus (1925-26) di Walter Gropius a Dessau e per gli appartamenti di Lake Shore Drive (1948-51) di Ludwig Mies Van Der Rohe a Chicago, che raggiungono una monumentalità tranquilla e che presentano un muro con una cortina di vetro predominante con colonnine verticali minimizzate. La scultura accademica, che riprendeva opere classiche meccanicamente, fu scossa verso al fine del 19° secolo dalla potente presenza di Auguste Rodin, che investì la scultura bronzea in particolare di nuova energia e nuova libertà nel trattamento. Balzac (1892-97; Museum of Modern Art, New York) è una colonna virtuale di forza ascendente, un blocco singolare, con i tratti del volto profondamente incisi e intensamente espressivi. Con il 20° secolo, l'incisione diretta della pietra riguadagnò popolarità, e il modellare la creta per la gettata in bronzo diminuì. La nuova estetica portò con sé un'astrazione geometrica e portò ad una scultura con la grazia e la raffinatezza di "Bird in Space" in marmo giallo (1919; Philadelphia Museum of Art) di Constantin Brancusi, in cui il soggetto è ridotto alla sua essenza formale. Il terzo modo di creare sculture-riunendo materiali diversi e costruendo-fu esplorato da Aleksandr Archipenko, Naum Gabo, e molti altri, che portarono nuovi materiali nel vocabolario dello scultore-vetro, plastica, lamine di metallo, e altri. Le costruzioni in metallo di David Smith seguirono quella tradizione modernista. La fine del 19° secolo fu anche caratterizzata dall'ascesa dell'avant - garde nelle arti e dalla nascita dei movimenti che determinarono le principali tendenze. Le "Ninfee" (1899; Louvre, Parigi) di Claude Monet rappresentano il suo interesse, e quello degli altri impressionisti, per la luce-il modo in cui può variare di ora in ora o di giorno in giorno, l'idea che le cose materiali si conoscono solamente tramite la luce nelle sue infinite trasformazioni e che perciò potrebbero sembrare non più solide dell'atmosfera che le circonda. Gli artisti che maturarono dopo la prima ondata dell'Impressionismo cambiarono il suo fondamento. Georges Seruat cercò di misurare scientificamente gli effetti della luce, Paul Gauguin e Vincent van Gogh esplorarono i misteri dell'individuo, e Paul Cezanne creò una struttura pittorica che echeggiava la struttura del mondo visibile. Ora tutti e quattro sono considerati le figure guida del Movimento Post-Impressionismo. Nella prima decade di questo secolo l'astrazione, orientata verso problemi di composizione o di struttura pittorica, costituiva il movimento artistico preminente, e aveva avuto origine, come la maggior parte degli importanti sviluppi del secolo precedente, a Parigi. Il Cubismo fu lo sviluppo di maggior impatto. L'opera "Le Damigelle d'Avignone" (1906-07; Museum of Modern Art, New York) di Pablo Picasso crea una nuova logica strutturale per le figure-una logica che non dipende dalla loro apparizione relativa da un qualsiasi punto. La ricostruzione delle figure, inoltre, permette una nuova audacia nella composizione, ora che il colore e la forma sono liberati dal dover funzionare puramente in qualità descrittiva. È anche evidente l'interesse di Picasso nell'Arte Africana, in particolare nelle maschere intagliate e nelle sculture lignee, riflesso nei volti grotteschi delle donne. La composizione con il Rosso, il Blu e il Giallo (1930; Collezione di Mr. e Mrs. Armand P. Batos, New York) di Piet Mondrian, uno dei fondatori del gruppo neoplastico De Stiljl e che operava anche a Parigi, abbandona completamente la rappresentazione per un'Arte Astratta che dipende sulle pure relazioni di forme e di colori primari. Con il Fauvismo e con l'Impressionismo gli artisti cercarono di utilizzare la tecnica per l'espressione soggettiva e come prova di coinvolgimento personale, mentre Mondrian ed altri artisti creavano opere che rifugiavano tali caratteristiche a favore della tranquillità riflessiva e della precisione formale. In un certo senso, la pittura di questo secolo può essere compresa come un'auto esaminazione e una riduzione progressive, alla ricerca del carattere innato più profondo della tecnica. Alternativamente, può essere vista come una risposta al nuovo mondo industriale, febbrile e insicuro, o come la rivelazione di intuizioni non più soppresse dalle convenzioni, come nel Surrealismo, in cui il mondo interiore diventa il mondo reale. Gli artisti americani iniziarono i loro esperimenti in quella che sarebbe stata chiamata Arte Moderna alcuni anni dopo che una tale opera fu apparsa un Europa, incitata dal famoso Armory Show del 1913 a New York. Questo portò New York a diventare la capitale del mondo artistico, al posto di Parigi, con lo sviluppo dell' Espressionismo astratto, dopo la Seconda Guerra Mondiale. Willelm De Kooning, Franz Kline, Robert Motherwell, Jackson Pollock, Mark Rothko e Clifford Still furono tra i pionieri di questo movimento dinamico. Oggi, la distinzione tra le tecniche è resa confusa; il termine scultura sembra un termine datato per indicare pezzi assemblati, e il termine pittura non vale più se resta solamente un documento, essendo l'opera d'arte divenuta un atto piuttosto che un artefatto. Con questi movimenti dell'avanguardia come l'Arte Concettuale e, sicuramente, con gli Earthworks (opera artistica che consiste in una modificazione su grande scala di un'area di terreno da parte di un artista), l'opera trascende le pareti di una galleria. Queste ed altre tendenze recente, tra le quali l'Arte della performance e l'Arte video, non solo allontanano la distinzione fra le tecniche ma amplia le definizioni tradizionali di arte.